Мастер-класс канадского режиссера Ишу Пателя

18:45 11.11.2014 Ксения Симак, журналист


В Москве уже в восьмой раз стартовал «Большой фестиваль мультфильмов». В течение 12 дней в разных концах города проходят показы лучших авторских мультфильмов мира – коротко- и полнометражных, для детей и взрослых, российских и зарубежных. В фестивале принимают участие представители более чем 20 стран.

Но БФМ – это не только показ достижений мировой анимации, но и множество познавательных лекций, интересных выставок и даже сьемок мультфильмов! В этом году лицами фестиваля стали канадский режиссер Ишу Патель и российский аниматор Иван Максимов.

9 ноября в Центре документального кино Ишу Патель провел мастер-класс для всех желающих, где рассказал об удивительных технологиях, которые он использует при создании своего эксклюзивного кино на пример е трех картин: «Игра в бисер» («The Bead Game»), «Жизнь после Жизни» («Afterlife») и «Рай» («Paradise»).

Ишу Патель родился в Индии, под Ахмедабадом. Его родители, некрупные землевладельцы, смогли обеспечить сыну образование сначала в Индии, потом в Швейцарии. Обучаясь в Швейцарии, талантливый Ишу Патель выиграл грант Фонда Рокфеллера на обучение анимации в Северной Америке и выбрал Национальный киносовет Канады (NFB) в качестве места стажировки.

Ишу Патель: «По образованию я графический дизайнер, но всегда любил рисовать. Я вырос в маленькой индийской деревушке, где не было ни электричества, ни воды… И, когда я был маленьким мальчиков, я постоянно рисовал: то на песке что-то чертил, то на стенах царапал. А вечером, когда света не было, в ход пускалось мое воображение. Когда я окончил школу и научился рисовать уже лучше, один из моих учителей сказал, что мне надо поступить в университет искусств. Я сообщил о своем решении моим родителям, и они решили, что я свихнулся. Надо же заниматься чем-то серьезным: надо стать инженером, например! Но я все равно поступил на отделение искусств. И это были лучшие четыре года в моей жизни! У меня был потрясающий преподаватель, который учил меня рисовать, учил графическому дизайну, иллюстрированию, фотографии, шрифтам… И после того как я выпустился, открылась новая школа, где было много иностранных преподавателей, которые также многому нас обучали. И тогда я встретил Джулио Джемини, итальянского аниматора. Он приехал всего на несколько месяцев, показал ряд своих работ. И я понял, что мне было не интересно как графическому дизайнеру рисовать просто какие-то постеры, плакаты… Меня всегда завораживало движение.  Тогда ведь не было никаких специализированных школ для аниматоров. Надо было просто отправляться в студию. А в Индии таких студий не было. Поэтому я решил попытать счастье в Канаде. А в то время это было совсем не сложно: я просто прилетел, и они меня взяли».

Мастер-класс открылся показом вышеупомянутых мультфильмов. Потом, с помощью переводчика, Ишу Патель поделился своим бесценным опытом режиссера и дал полезные советы начинающим аниматорам и просто заинтересованным слушателям. Были поставлены главные первостепенные вопросы: «Каким образом делать подобные короткометражки? С чего стоит начать? Можно ли создать анимационную короткометражку, не усложняя нарратив, рассказать историю максимально просто и ясно?». Ответ был один: подобным короткометражным картинам не нужна чрезмерно усложненная история – достаточно простой концепции. К понятию «концепция» Ишу Патель возвращается снова и снова, утверждая, что это краеугольный камень любой картины. И вопрос, на который должен ответить себе начинающий режиссер: «Каким образом разработать эту самую концепцию, и как научиться обрабатывать свои идеи?». Канадский аниматор не может ответить на него, ведь это дело исключительно индивидуальное, но на своем примере он показывает, как самому отыскать свой уникальный стиль.

Ишу Патель: «Понятно, что никто из нас не способен запустить процесс воображения с нуля. Мы все полагаемся на жизненный опыт. Существуют пять основных областей, из которых мы можем черпать вдохновение. Это социальная озабоченность или озабоченность проблемами охраны окружающей среды, ваши личные проблемы и дилеммы, воспоминания из детства, необычные или уникальные события, свидетелями которых вы стали, а также знания, которые вы получаете в процессе обучения. Мы говорим сейчас о простой концепции. Но даже простая концепция может иметь очень сложное и сильное содержание, которое она хочет донести до зрителя. Вам нужны главные элементы, которые позволят вам создать свое кино. Во-первых, у вас должен быть свой собственный личный визуальный стиль. Ваша техника, то, как вы будете это делать, должны быть новыми и интересными. Постарайтесь найти что-то, чего до вас никто никогда не делал. То, как двигаются персонажи, имеет значение и также должно быть инновационным. Потому что в анимации все посвящено движению – все вращается вокруг него. Но это движение не может быть хаотическим: оно должно полагаться на вашу концепцию и доносить ее до зрителя. Во-вторых, структура картины также очень важна. То есть, с чего вы начинаете свой фильм, и каким образом вы дальше рассказываете историю. И наконец, когда вы разрабатываете концепцию и тематику своей картины, музыка играет роль. Вам важна ваша история, и для нее вам важно правильное звуковое сопровождение».

Все эти элементы четко проработаны в каждом из трех мультфильмов.

«Игра в бисер» («The Bead Game», 1977) стала реакцией художника на ядерные испытания и создание Индией своей первой атомной бомбы. Патель показывает неиссякаемое пристрастие человечества к агрессивному и воинственному поведению. Таким образом, тема фильма - агрессия и война. Кстати, данная картина стала победителем Британской киноакадемии в 1978 году.

Ишу Патель: «Перед тем, как вы приступаете к съемкам, вам необходимо набрать материал, провести какие-то исследования. Не имеется в виду, что вы должны исписать кучу листов бумаги, вы просто должны искать визуальное вдохновение.  В 1974 году я провел полгода в арктической части Канады, и там со мной кое-что произошло. Это очень нехарактерный и непривычным для меня пейзаж – я к таким ландшафтам непривычен. Ни деревьев, ни зданий – ничего. Просто скалы и снег. Но люди каким-то образом все равно там живут, живут в снегу и во льду. И когда я в первый раз отправился туда, я удивлялся, каким образом они умудряются жить в этих условиях постоянной белизны, окруженные белым безмолвием. Нет ничего, к чему можно было бы привязать взгляд. Где вы находитесь, вам трудно понять: вы можете быть там,  можете – здесь, глазу не за что зацепиться. Но самое важное, что мне там было явлено, это сам ландшафт. Когда я смотрел на него утром, днем, вечером, я начал понимать, что существуют определенные последовательности, определенный алгоритм, который можно выявить. Узоры, почти как на картине!»

Действительно, арктическая часть Канады напоминает малонаселенные пункты Сибири: дикая природа с минимальным количеством зданий. Только если в Сибири остальную часть занимает тайга, то в Канаде – это тундры и снежные пустыни. Ветер превращает белоснежную плоскость в волновую поверхность, которая и вправду похожа на замысловатый узор.

Ишу Патель: «Люди, которые живут там, почему-то очень талантливы как художники. Они все умеют рисовать. Но то, как они рисуют, очень отличается от того стиля, который принят у нас. Они видят картину целиком, не фокусируясь на деталях. Когда они, скажем, изображают животных, они концентрируются исключительно на формах. И это произвело на меня очень сильное впечатление тогда. Я понял, что они видят только то, что выделяется на фоне снега. Они видели только черное и белое, и то, каким образом эти цвета взаимодействуют и образуют тени. И тогда я заинтересовался, можно ли снять анимационную картину, которая не будет зациклена на деталях, что, в общем-то, в анимации имеет первоначальное значение. Хочу вам объяснить, как я пришел к этой мысли. Разумеется, для каждого из вас это будет свой собственный творческий процесс. Из своего окна я видел камни, скалы, снег, но в итоге я увидел какие-то очертания. И по мере того, как вы продвигаетесь в своей работе над каким-то проектом, вещи начинают становиться более ясными».

По словам самого Ишу Пателя большое влияние на него и его творчество оказал Пол Клее - немецкий и швейцарский художник, график, теоретик искусства, одна из крупнейших фигур европейского авангарда. В его работах практически нет конкретных деталей, тем не менее, они экспрессивны. Таким образом, аниматор вдохновлялся не только окружающей его средой, но и тем влиянием, какое оказывали на него великие мастера.

Ишу Патель: «Когда я увидел картины и наброски Пола Клее, я осознал, что совершенно реально снять картину только с помощью линий, не вдаваясь в детали, не прорисовывая их. И я не могу сказать, что это была какая-то оформленная идея, это был просто замысел, что-то, о чем я думал. Можно создать очертания, похожие на некое существо, при этом не прорисовывая его, не вдаваясь особо в детали. И это будет интересно!».

Так для Ишу Пателя стало очевидным то, что в данном фильме будут присутствовать линии. Что такое линия? Пол Клее говорит, что линия – это точка в движении. После долгих экспериментов со множеством различных материалов, похожих на точку, художник пришел к бисеру. Он просто клал в кадр черную доску, на нее высыпал бисеринки и создавал из них нужные формы. Каждая позиция бисера устанавливалась кадр за кадром. Все было очень просто: фильм был снят в 1977 году, а потому никаким спецоборудованием режиссер не обладал. Был простой штатив с установленной на нем камерой, черный стол, на котором белая рамка определяла границы кадра, и бисер.  Все материалы для фильма стоили примерно 50$. А сама съемка фильма заняла один год. К концу съемочного процесса, аниматору необходимо было передвигать тысячи бисеринок каждый день, и это было большой удачей, если ему удавалась заснять хотя бы долю секунды в сутки.

Передвижение бисеринок – очень сложный, утомительный процесс, требующий концентрации. Каждая бисеринка размером примерно с миллиметр. Со временем кадр от 5 дюймов увеличился до 25, и тогда Пателю понадобилось более серьезное оборудование, чтобы передвигать бисер. И хотя работа требовала много сил, времени и внимания, художник признается, что ему нравится работать в одиночестве, ведь тогда у вас полный контроль над ситуацией.

Ишу Патель: « Вы замечаете, что все картины в «Игре в бисер» очень линейные: тут только простые персонажи. Никаких деталей. Это такие предметно-изобразительные существа. Понятно, что вы не можете снимать все свои фильмы так, как это делает Дисней, - у вас должен быть свой стиль. И я выбросил в окошко все правила съемки в кино: у меня не было никакого заранее отснятого материала, никакого монтажа, никаких панорамных кадров, никаких крупных планов - ничего. Все происходит в движении. Музыка очень важна. Я выбрал индийские барабаны, они называются табла. Почему индийская музыка? Вовсе не потому что я сам из Индии. Эта музыка мне подходила, потому что, во-первых, это один инструмент, во-вторых, это очень простой ритм, который ускоряется, что важно, потому что в историческом контексте барабаны всегда имели своей целью запугать противника: они использовались для демонстрации агрессии в военных боевых действиях. А как мы помним, тема этого фильма – агрессия и война. Таким образом, эти барабаны идеально укладываются в мою концепцию и раскрывают ее».

Следующий фильм «Жизнь после жизни» («Afterlife», 1978) стал очередным экспериментом с методами повествования и технологиями анимации. Патель решил изобразить загробную жизнь, компилируя воедино представления разных культур о ней. 

Ишу Патель: «Вы заметили, что данная картина очень отличается от первой. Как творцу мне не интересно постоянно повторяться – я хочу делать что-то новое. Мне было интересно сделать картину о смерти, об умирании. И многие люди в анимации обращаются к этой теме. Какова была концепция этого фильма? Есть ли жизнь после смерти? Что такое умирание? На что это похоже? Верим ли мы в реинкарнацию? Этими вопросами человечество задавалось испокон веков. Мне показалось интересным вообразить, что происходит с нами после смерти, и снять на эту тему что-то наподобие визуального эссе. Этот фильм – моя попытка дать смелый провидческий ответ на эти вечные вопросы. В своей работе я отталкивался от религиозных убеждений, старинных мифов и от опыта людей, которые пережили клиническую смерть. Создавая эту картину, я не хотел привязывать ее к какой-то определенной стране или системе убеждений, я хотел сделать ее максимально интернациональной».

Чтобы снять кино о смерти, необходим особый визуальный стиль. Ишу Патель хотел передать что-то важное на экране: яркие, сияющие, переливающиеся образы. Персонажи, которые меняют форму. В этом фильме движение очень медленное, в отличие от «Игры в бисер». Все углы скруглены – ни одной острой грани. Никакого монтажа и панорамных съемок: картинки и образы переливаются один в другой, тают. Таким образом, по мере того, как они двигаются, создается ощущение сверхъестественного. Все образы движутся в центр экрана. Идея была в том, что после смерти мы уходим куда-то вовнутрь, а не исчезаем вовне.

Ишу Патель:  «Однажды я выходил из офиса, и так получилось, что в кармане у меня оказался кусок ленты с кадром. На улице было темно, и горел лишь один фонарь. Тогда я решил посмотреть, как будет просвечивать эта пленка. Я взял оказавшийся под рукой пластилин и прикрепил пленку к окну, немного его размазав. Когда я вышел на улицу и взглянул на кадр, то увидел, как светится пластилин. После, в зависимости от того, как я надавливал на него, менялась глубина оттенка. Я прямо заснуть не могу в ту ночь! На следующий день я побежал в магазин, купил пластилин, вернулся в студию и продолжил с ним экспериментировать, поместив источник света за ним. И я понял, что таким образом могу создать очень интересные образы. Именно такие, какие я хотел создать для «Жизни после жизни».

Таким образом, вся картина создана из пластилина на масляной основе с расположенным за ним источником света. Аниматор и его команда сколотили черный ящик с подсветкой снизу, накрыв его сверху стеклом. Пластилин накладывался прямо руками на стекло, пока полностью не перекрывался источник света. А затем наступал непосредственно творческий процесс, когда с помощью специальных инструментов на пластилине вырезали фигуры разной глубины, в зависимости от необходимой насыщенности цвета. Из-за непосредственной близости лампы к пластилину тот постоянно нагревался, поэтому в студии было много вентиляторов. Так же, как и «Игра в бисер», «Жизнь после жизни» снималась кадр за кадром. И процесс такой же утомительный и требующий большой концентрации: в секунду умещалось 24 уникальных кадра без учета промежуточных «переходных».

Ишу Патель: «Выбрать музыку для меня оказалось делом нелегким. Я хотел использовать флейту, потому что она может быть медленной. Слушал японскую, бамбуковую, индийскую флейты, румынскую свирель… Но я искал музыку, которая была бы немного пугающей, духовной, которую вы не смогли бы потом выбросить из головы, мистическую. Я отслушал кучу материала и, наконец, наткнулся наStoneFlute авторства Херби Манна, где мне понравился определенный фрагмент, который я использовал в фильме».

«Рай» («Paradise», 1984) - безупречная с визуальной точки зрения картина рассказывает о выборе между красивой жизнью и свободой. На Берлинском кинофестивале 1985 года «Рай» получил «Серебрянного Медведя».

Ишу Патель: «При создании картины «Рай» я вдохновлялся стихотворением, которое услышал, когда еще был ребенком. Суть его такая. Черная обычная птичка каждый день сидит у окна и разговаривает с красивой птицей, которая живет в роскошной клетке. Черная птичка завидует красивой, потому что та окружена комфортом и заботой пожилой дамы. И красивая птица, сидящая в клетке, отвечает черной: «Я живу в ограниченном пространстве, и никогда мне не узнать радости свободного полета, которая тебе доступна». И так они сидят, и каждая другой завидует. Концепция: природное против искусственного. Понятно, что внешняя красота привлекает взор, но именно внутренняя очаровывает и зачаровывает. Это основная тема фильма. Но я не хотел переносить стихотворение дословно на экран. Я от него лишь отталкиваюсь как от источника вдохновения. И я подумал, что можно сделать историю чуть более интересной. Поэтому птица в клетке трансформируется в роскошную божественную птицу, которая каждую ночь исполняет танец иллюзии для императора хрустального дворца. То есть лес остался лесом, а клетка трансформировалась в хрустальный дворец. И черной птичке на своем горьком опыте приходится убедиться в том, что лес куда более интересный и очаровательный, чем хрустальный дворец».

Ишу Патель утверждает, что фильм интересен благодаря облику персонажей. Их трое: черная птичка, божественная птица и император. И два места: хрустальный дворец и лес. Аниматор ставил своей целью нарисовать максимально непохожих друг на друга, уникальных птиц. Должен был быть резкий контраст. Черная птица должна была быть простой, а божественная – «сложной». Такой же контраст и в местах действия: искусственный сияющий дворец и естественный зеленый лес. Лес был быстро создан: для создания трехмерного пространства художник использовал акварель. Оставался вопрос во дворце. Как заставить его сиять?

Ишу Патель: «В изображении дворца мы сделали пару набросков. Нашли кусок картона, взяли черную бумагу, сверху положили кальку. То есть вышло три слоя. Затем брали шило и аккуратно проделывали отверстия по контуру рисунка. Картон помогал не порвать тонкую бумагу. Главное, чтобы игла входила под углом 90 градусов. Убирали кальку, картон и получали рисунок на черной бумаге. А если поместить его на фоне какого-то источника света, создастся впечатление, будто дворец действительно из хрусталя, ведь он сиял! Вы можете заметить, что точки меняют свой размер. По мере работы над фильмом мы поняли, что нам нужны иголки разного диаметра, чтобы сохранить перспективу. Персонажи накладывались отдельно, и каждый кадр с персонажем снимался два раза, чтобы тот не просвечивал».

 

Таким образом, Ишу Патель не только оказал неоценимую помощь начинающим аниматорам в поисках своего стиля, но и просто поделился занимательной информацией с заинтересованными в искусстве анимации и режиссуры. К сожалению, он больше не снимает авторское кино, но реализовывает различные коммерческие, рекламные проекты и по-прежнему остается классиком не только канадской, но и всемирной анимации.

Для любителей отечественной мультипликации 3 ноября в Центре творческих индустрий «Фабрика» была организована Большая Максимовская вечеринка.

Иван Максимов - один из самых знаменитых режиссеров, художников и педагогов российской анимации. Помимо авторского кино он также пишет сценарии для мультфильмов, видеоклипов и рекламных роликов, является оператором.

На вечеринке были представлены четыре фильма режиссера: «Болеро», «Длинный мост в нужную сторону», «Дождь сверху вниз» и «Ветер вдоль берега», а также работы его многочисленных учеников, среди которых были «Когда люди летают» Светланы Матросовой, «Друг детства» Юлии Поставской, «Крот на море» Анны Кадыковой, «Почему банан огрызается» Светланы Разгуляевой и др.

«Когда я стал мультипликатором, вывел для себя принцип: красиво и смешно. Потом понял: чем больше красоты, тем менее смешно. А красиво и смешно – это векторы, которые в разные стороны смотрят. То есть, чтобы добавить смешного, нужно сделать как можно более примитивное изображение,» - рассказывает Иван Максимов.

И действительно, персонажи его мультфильмов – необычайные существа, максимально простые, в некоторых моментах даже несуразные, что делает их очень привлекательными. Стоит отметить, что кого бы ни изображали эти существа, все они имеют большой нос.

«Когда я начал разрабатывать своих персонажей, то понял, что чем больше нос, тем трогательнее выглядит это существо. Именно поэтому в моих мультиках так много слонов. Это милые, сердцещипательные животные. Представьте слона без хобота. Он сразу превратится в нечто страшное и угрожающее».

«Болеро» (1992) – стал дипломной работой режиссера. Это первый опыт переложения на пленку музыки Мориса Равеля, за который в 1993 году Иван Максимов получил премию «Ника».

«Нам была дана задача - представить фильм «высокой духовности». Фильм рожден из незамысловатой затеи — два встречных движения. Один персонаж совершает круг, а все вокруг пытаются этому противодействовать, следуя поперек его движения.

Это типичный фильм «повышенной духовности». Потому что, если бы в нём был смысл, была бы какая-нибудь драматургия, то это был бы какой-нибудь триллер, или комедия, или трагедия. А поскольку ничего не происходит, значит, это фильм «повышенной духовности» — поел и дальше пошёл».

Этой цели посвящены все работы аниматора. Фильмы «высокой духовности» не могут иметь начала и конца, и действительно, представленные на фестивале работы не демонстрируют законченную историю, оформленный сюжет – они просто изображают какое-то событие, не влияющее на судьбы его персонажей, а большие носы добавляют трогательности и комизма. Кстати, именно поэтому Иван Максимов снимает исключительно короткометражки, так как считает, что в полнометражном фильме легко потерять идею и эту самую духовность, которые очень четко и ясно можно выразить за несколько минут в короткой картине.

Сейчас режиссер не отошел от дел и работает над новым мультфильмом «Скамейки». По словам автора - это «короткометражная (5-6 минут) комедия абсурда, разворачивающаяся на обычных парковых скамейках, с кучей действующих лиц и ситуаций».

Важнейшая задача БФМ – формирование в России интересной и разнообразной культурной среды. Встреча с режиссерами носит не только развлекательный, но и дидактический характер, позволяет не только узнать секреты мультипликации, но и познакомиться с зарубежной культурой. Это не первый и не последний фестиваль - за семь лет в Фестивале приняли участие почти 3000 мультфильмов со всего мира, которые посмотрели более 200000 человек. Множество зарубежных режиссеров, номенанты и лауреаты премии “Оскар”, обладатели каннских и берлинских призов, посетили столицу и представили на Фестивале свои работы и анимационные культуры своих стран. С каждый годом БФМ собирает все большее количество зрителей и участников, а искусство анимации приобретает все большую популярность, как среди детей, так и среди взрослых. 

Версия для печати